Quindici Paesi visitati, 29 anni per portare a termine il progetto, centinaia di donne ritratte per cogliere il dolore di una perdita nei loro sguardi. Il progetto One Person Crying: Women and War di Marissa Roth, pluripremiata fotogiornalista collaboratrice del New York Times, è uno struggente racconto per immagini di come una guerra scavi ferite nel profondo. Fotografie in bianco e nero che raccontano, senza parole, storie femminili di straordinaria intensità

Volti segnati dal dolore, sguardi spenti, segni lasciati sulla pelle da eventi che hanno stravolto una vita. One Person Crying: Women and War è un progetto bellissimo. Non solo per le foto di cui è composto (intensi ritratti femminili in bianco e nero), ma soprattutto per il lavoro quasi trentennale che c’è dietro, frutto dell’esperienza diretta e participante, empatica, della fotografa documentarista e fotogiornalista americana Marissa Roth (oggi freelance e collaboratrice del New York Times, era nello staff fotografico del Los Angeles Times quando ha vinto il Pulitzer, nel 1992). One Person Crying è un puzzle di storie femminili, donne che piangono una persona cara persa a causa della guerra o che portano su di sé i segni di un’esperienza drammatica; violenze, guerre, conseguenze della follia umana come nel caso delle sopravvissute di Auschwitz o Fukushima. Abbiamo chiesto alla Roth, raggiunta telefonicamente in California,
di raccontarci alcune di queste storie.

Marissa, come e quando nasce l’idea di un progetto impegnativo come questo?
Quando lavoravo come fotogiornalista per il Los Angeles Times, nel 1988, sono stata inviata in Pakistan per una storia sulla fine della dittatura a Karachi. Lì ho incontrato un collega dell’Associated Press, reduce da una missione in Afghanistan, che mi ha raccontato come più di 100mila afgane fossero diventate vedove a causa dei 10 anni di guerra con l’Unione Sovietica. Una storia che nessuno aveva ancora raccontato, allora. Decisi di farlo io, incontrando rifugiate a Peshawar e lungo il confine con il Pakistan. Sola, senza traduttore e senza parlare una parola di pashtu o persiano, chiedevo loro a gesti il permesso di fotografarle. Ho trascorso lì 8 giorni, scattando ritratti che ho inviato al Times, che ha mi ha affiancato un reporter e pubblicato quello che è stato il primo reportage sulla tragedia delle donne afgane. Questa esperienza mi ha segnato profondamente, non avevo idea che un sentimento così profondo di empatia potesse cambiare la prospettiva con cui si guarda a una guerra. Così, ho continuato a cercare sguardi femminili durante tutte le missioni che da lì in poi mi hanno portato in giro per il mondo, ho continuato a fotografare donne sopravvissute o direttamente colpite nel profondo degli affetti da una guerra.

Quanti anni ci sono voluti per completare il progetto?
Nel 1984 sono stata con la mia famiglia a Novi Sad, Yugoslavia, dove mio padre è nato
e da dove è fuggito nel 1938 prima dell’inizio della Seconda guerra mondiale e dell’Olocausto. I suoi cari lasciati lì – i genitori, la nonna e lo zio – sono stati uccisi durante i tre giorni del massacro di Novi Sad nel 1941. Da allora lui non era mai tornato nella città, la sua casa era diventata un ricovero per bambini. Sono tornata di nuovo a Novi Sad, da sola, nel 2009 in occasione di un viaggio di lavoro tra Bosnia e Herzegovina, ho scattato nuove foto e una volta tornata a Los Angeles le ho confrontate con quelle dell’84. Considero questo il primo vero inizio del progetto. L’ho considerato concluso, invece, dopo l’ultimo viaggio in Vietnam, ma quando ho saputo che il Centre de la Mémoire d’Oradour, in Francia, avrebbe voluto ospitare “One Person Crying” per un’esibizione lunga un anno ho deciso di andare al memoriale di guerra Oradour e fotografarlo, per includerlo nella galleria. Quindi al momento il progetto copre ben 29 anni. Lo considero finito, ma non escludo la possibilità di scattare nuove foto con l’ottica di aggiungerle.

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All’Atelier dell’Arco Amoroso di Ancona una mostra delle foto di Sauro Marini
che nostro lunedì ha pubblicato nel corso di oltre un decennio.

Se si pensa a un’immagine periodica viene subito alla mente quella della
pellicola cinematografica che si ripete istante dopo istante per costruire
un gesto o una frase completi.

Ma immagine periodica non è in questo contesto quella di celluloide,
ma quella fermata nel tempo dal fotografo Sauro Marini per i numeri di nostro lunedì, appunto, il periodico creato da Francesco Scarabicchi e Francesca Di Giorgio.
“Oltre un decennio di un contributo di sguardi segnato dalla misura sensibile
che ferma nel tempo, l’istante che non si ripeterà. Stile e memoria nella limpida e lirica vocazione alla bellezza.” Queste parole di Francesco Scarabicchi più di altre sono capaci di riassumere la preziosa collaborazione artistica che il fotografo, Sauro Marini, ha offerto a una delle riviste più note delle Marche e d’Italia che proprio con le sue foto ha concretato visivamente le parole di sette numeri editoriali.
Più che di collaborazione, si può parlare di reciproca fecondazione d’idee che hanno portato Sauro Marini e Francesca Di Giorgio a confrontarsi sui temi e sulle immagini
con l’unico scopo di offrire al pubblico la bellezza. Topici costitutivi della memoria culturale condivisa. Perché di bellezza si parla quando si sfoglia la rivista nata nel febbraio 2002,
ideata e diretta artisticamente da Francesco Scarabicchi, dove nulla, mai, è lasciato
al caso e dove anche una semplice virgola è parte di un arazzo completo, complesso
e sempre affascinante. E le foto che Sauro Marini ha proposto a questo periodico rappresentano la ricerca di un particolare che più di altri si attaglia alloo scritto,
fermando attimi di luce che animano pagine interne e copertine, sentimento ed emozione.
Foto in cui la forza dell’immagine non vince sempre quella dell’immaginazione.
Questo accade soprattutto nei particolari che l’artista ferma in bianco e nero cercando intenzionalmente di evidenziare qualcosa che non esiste nella realtà.
Un gioco voluto che cerca, nelle differenze, interpretazioni alternative alla tangibilità, offrendo percorsi che non sono ancora compiuti.
Ventitré le foto che saranno esposte in mostra all’Atelier dell’Arco Amoroso
del Palazzo prefettizio, in Piazza del Plebiscito, ad Ancona.
Foto non costruite, foto ricercate e raffinate come la “chiocciola” della Chiesa del Gesù
o in particolare di San Ciriaco, il porto, il monumento ai Caduti, il porto turistico, il Museo archeologico e il Museo Omero: questi alcuni dei temi di ricerca del fotografo accanto
ai quali saranno esposti i numeri delle riviste che li hanno ospitati per realizzare quella antica suggestione onirica che unisce il sogno alla realtà.
Come scrisse Montale in un dagherrotipo di un suo avo: ”resta / che qualcosa è accaduto, forse un niente / che è tutto.”

Inaugurazione OGGI alle 18.00
Apertura sino a domenica 1 dicembre.
Orario: dalle 17.30 alle 19.30
Sabato mattina dalle 10.30 alle 12.30

Sauro Marini, fotografo anconetano innamorato della città, negli ultimi anni ha saputo unire queste due caratteristiche, ed ha dedicato alla sua Ancona molti dei lavori fotografici fino ad oggi realizzati. Tra le varie mostre che ha organizzato sono infatti da ricordare: Historie anconitane (2005), Prospettive d’ombra (2006), Universitatis Imago (2007,
con presentazione del Prof. Fabio Mariano), Attimi (2008) – tutte queste con immagini
in bianconero – e la coloratissima Quant’è sera (2009) dedicata agli infuocati tramonti anconitani. Collabora con la rivista di poesia e immagine “nostro lunedì”, edita dal Comune di Ancona; le sue fotografie di reperti archeologici sono state riprodotte su pannelli giganti installati presso la mostra “Potere e splendore. Gli antichi Piceni a Matelica” nel 2007.

Le sue immagini sono visibili sul sito web di fotografia, all’indirizzo www.sauromarini.it
Dal 2008 è presidente del Circolo Fotografico Archivivi con sede ad Ancona in via Marconi.

info@nostrolunedi.it
www.nostrolunedÏ.it

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